Entrevista Exclusiva con Anat Cohen en el Festival de Jazz de Northampton para Papeles de Jazz
Por Ricard Torres-Mateluna, Miembro del directorio del Festival de Jazz de Northampton y Miembro Editorial
& corresponsal en Norteamérica para Papeles de Jazz
Anat Cohen ha cautivado a audiencias de todo el mundo con su virtuosismo, calidez, generosidad y su única combinación de tradiciones del jazz. Ella es una verdadera maestra clarinetista de jazz. Con su mezcla única de técnica clásica, brillantez improvisatoria y un profundo entendimiento de la tradición del jazz, Cohen se ha convertido en una figura líder en la escena del jazz contemporáneo. Su capacidad para navegar sin problemas diversos estilos musicales, desde el jazz tradicional de Nueva Orleans, el Choro brasileño hasta exploraciones de vanguardia, le ha valido una reputación como artista versátil y pionera. En esta entrevista exclusiva, profundizamos en su viaje musical, sus inspiraciones, colaboraciones y sus nuevos proyectos próximos.
¿Quién es Anat Cohen?
Soy una música. Cuando digo eso, es porque cuando toco música, todo tiene sentido en mi interior, y me siento libre y segura, y es mi espacio preferido para estar y ser, lo que de alguna manera me convierte en una música, pero muchas personas podrían sentir lo mismo, ya sea que toquen música o simplemente la escuchen. Cuando toco el clarinete, encuentro una forma de ser quien soy, que es una persona bastante seria, pero también una persona muy traviesa. Me gusta bromear y crear pequeños momentos, momentos interpersonales, mirando a la persona frente a mí, mirando sus expresiones, y reaccionar e interactuar. Busco lo mismo en la música.
Tu álbum «Luminosa» incluyó música de Choro brasileña. ¿Qué aspecto del Choro te parece cautivador y cómo complementa tu antecedente de jazz?
La música Choro es extremadamente exigente, y esta música se toca en lugares muy informales: Piensa en gente sentada alrededor de la mesa en círculo y tocando música entre sí, riendo y bebiendo cerveza, y al mismo tiempo la música podría ser tan extremadamente exigente, virtuosa, compleja con múltiples capas y líneas multifónicas que van al mismo tiempo. Refleja que tienes que ser muy rápido, como un jugador de fútbol, donde la melodía es la pelota que se mueve muy rápido entre los jugadores, tienes que estar constantemente alerta. Tienes que aprender a recibir y dar muy rápido.
La música Choro lo tiene todo: Tiene seriedad, porque tienes que ser un instrumentista, y debes tener habilidades en el instrumento para poder tocar esta música, porque su sonido es realmente exigente. También tienes que ser muy expresivo y estar muy en sintonía con tus sentimientos para poder tener todos los matices de sonido para expresar y hacer la melodía tuya propia.
De alguna manera, eso es lo que los músicos de jazz están buscando, encontrar su propia voz y sonidos para poder expresarlo. En ese sentido, el Choro y el jazz son lo mismo: se trata de la búsqueda; tomar una melodía y hacerla tuya; el grado de improvisación varía y depende de con quién estés tocando. Creo que puedes decir lo mismo del jazz: ¿hasta dónde puedes empujar los límites? En el Choro, simplemente puedes adornar la melodía y ya se considera una especie de improvisación, y puedes ir tan lejos como puedas, dependiendo de tus compañeros músicos. Por supuesto, en algunas situaciones, algunos podrían decir: «Esta persona se pasó, ya no es Choro». Tener la sensibilidad de hasta dónde llegar y cómo empujar a tus compañeros de banda y cómo interactuar y cómo conversar, es básicamente el arte de la conversación.
El clarinete no es tan común en el «jazz moderno» como algunos otros instrumentos. ¿Qué te atrajo al clarinete y qué crees que aporta al jazz contemporáneo?
Por suerte, nadie me dijo que no era un instrumento de jazz común. Cuando cogí el clarinete, aún no conocía el jazz. Simplemente estaba aprendiendo un instrumento para aprender música. No sabía que el clarinete, años después, me iba a abrir puertas y llevarme por todo el mundo y presentarme a tantas culturas y gente y lugares maravillosos.
Empecé a tocar el clarinete, y mi primer encuentro con el jazz fue con la música de Nueva Orleans. Me preguntaste sobre el Choro, pero la música de Nueva Orleans tiene un sonido tan mágico, hay tanta alegría en ella, con el ritmo de swing y lo compleja que es a la vez simple, así que si puedes descifrar cómo tocar una melodía y cómo improvisar en un solo corto, y eres capaz de encontrar tu lado humorístico, definitivamente expone la personalidad del intérprete. Los solos son cortos, interactuando constantemente con otras personas, así que tienes que estar ahí para apoyar a todos. Se trata de tocar en grupo, crear un sonido juntos; y hay capas, la trompeta, el clarinete por encima, el trombón por debajo, así que es una experiencia realmente hermosa para entrenar tus oídos y tu musicalidad.
Con el clarinete, cuando empecé a tocar música no estaba pensando: «Oh, esto es jazz, esto es jazz temprano, ¿debería tocar el clarinete o ser más moderno?» Simplemente me enamoré del sonido. Pero por supuesto, cuando estaba la secundaria en Israel, aprendí que el clarinete no era popular, y el profesor me pidió que tocara el saxofón y no el clarinete, así que lo dejé a un lado durante al menos 10 años. Me centré en el saxofón y aprendí jazz. Luego fui al Berklee College of Music en Boston Massachusetts como saxofonista, para estudiar jazz, y el Choro brasileño me hizo volver al clarinete.
El clarinete es un instrumento que has dominado. ¿Cómo entrelazas las tradiciones musicales de Oriente Medio y Brasil (que en sí es una mezcla de culturas africanas, europeas e indígenas) a través de este único instrumento?
No hay un punto en el que digas: «Voy a tomar este tipo de música y mezclarla con otro tipo de música». Creo que todo sucede de forma bastante orgánica. Conocí a músicos, conocí a algunos músicos brasileños cuando estaba en Boston, conocí a músicos de Venezuela y Colombia, y estas personas tienen mucha pasión por su música. Así que dices: «Espera: ¡quiero aprender y saber más sobre eso!» Es lo mismo cuando conoces a gente que toca jazz. Te gusta el sonido de Art Blakey, o el sonido de Trane o Trane en su último período o Louis Armstrong. Si eres apasionado por algo, se lo vas a mostrar a otra persona con entusiasmo, y ellos querrán saber más. Cada tipo de música que aprendí, que llegué a tocar, alguien me la tocó, me intrigó, y quise hacer más de eso. Una vez que comienzas a tocar la música, te involucras con otras personas que tocan, y se convierte en parte de ti. Entré en un montón de bandas con gente que tocaba música de Argentina, Venezuela, Brasil; una vez que lo haces durante un tiempo, se convierte en parte de las especias que le añades a tu sopa.
Como clarinetista multipremiada, ¿cómo sigues desafiándote y evolucionando como música?
Estoy muy agradecida por el reconocimiento, por los premios. Esos premios no forman parte del proceso de crecer y desarrollarse como músico. El camino, el instrumento en sí, el clarinete es muy exigente. Siempre bromeo con mis colegas porque, cuanto más practico, más difícil se vuelve. Así que, ya sabes, la idea es seguir mejorando y seguir encontrando nuevas colaboraciones. Los premios son una parte separada de este proceso de crecer como músico; es completamente independiente. La tarea, diaria, semanal, mensual, anual, que nos imponemos a nosotros mismos, es la presión de llevar la antorcha, de seguir mejorando. Es solo una llamada interior, y por supuesto, con estos reconocimientos, recibir premios como clarinetista solo pone más presión sobre mí. Oh, tengo que seguir desarrollándome, seguir creciendo, ya sabes, no puedo relajarme, así que de alguna manera me pone un «fuego bajo los pies».
Has colaborado con muchos músicos. ¿Puedes compartir una experiencia particularmente memorable o una lección aprendida de una de estas colaboraciones?
Toqué con George Wein, que fue el fundador del Festival de Jazz de Newport en Rhode Island, donde él tocaba el piano, con él tocamos durante una semana. Esta fue la primera vez que tocaba con los Newport All-Stars, incluyendo a Jimmy Cobb en la batería, Esperanza Spalding en el bajo, Randy Brecker en la trompeta y Howard Alden en la guitarra y yo misma. Fue una experiencia increíble. A George le gustaba tocar “tunes», teniendo muchas generaciones de jazz y la historia del jazz allí. Jimmy y Randy y gente joven como Esperanza y yo en ese momento. Simplemente tocábamos estos “tunes” y encontrábamos la manera de comunicarnos y hacer música, y te das cuenta de que el poder de la música es más grande que nosotros. Sabes, empiezas a tocar uno de esos «tunes» y lo haces funcionar porque quieres que funcione. Es realmente un regalo increíble que el jazz nos da para comunicarnos intergeneracionalmente.
Cuéntanos sobre un proyecto actual o cualquier próximo lanzamiento que te emocione.
Estoy muy emocionada por un nuevo álbum con mi cuarteto, Anat Cohen Quartetinho, que saldrá este 27 de septiembre. Este es nuestro segundo álbum llamado Quartetinho Bloom. Es una hermosa evolución de la banda desde que empezamos a tocar los cuatro, incluyendo a James Shipp que toca percusión y vibráfono de Columbia, Maryland. Tenemos a Vitor Gonçalves tocando acordeón y piano de Río de Janeiro, Brasil, y a Tal Mashiach tocando bajo y guitarra de Harashim, Israel. Estas son personas que conocí en diferentes partes de mi trayectoria y en algún momento armé una tenteto, una banda de 10 piezas, entre ellos James, Vitor y Tal, pero en cierto momento decidimos tocar en un cuarteto, una banda más «portátil». Pero como cada persona aquí toca dos instrumentos, entre percusión y vibráfono, acordeón, piano, bajo, guitarra, clarinete y clarinete bajo, no se convirtió exactamente en una banda más pequeña; de hecho es un cuarteto muy grande. ¡Pero amo a estos chicos! Hemos estado explorando muchísimos sonidos diferentes juntos y aprendiendo a construir confianza, a explorar sonidos libres, improvisación libre en ritmos concretos y firmes. Estos son individuos muy creativos, personas maravillosas, oyentes solidarios, instrumentistas virtuosos que llevan la música a lo que la música quiere. Estoy muy emocionada por este álbum que saldrá en mi propio sello discográfico, Anzic Records, con mi socio Oded Lev-Ari. Él es un hombre increíble, productor, músico, arreglista, escritor, compositor, así que estamos lanzando este álbum, lo cual es muy, muy emocionante.
¿Qué consejo le darías a los clarinetistas aspirantes que buscan dejar su marca en el jazz?
Mi primer consejo sería, no dejes que la gente te diga que no puedes tocar jazz con el clarinete, porque eso sucede demasiado a menudo. Me encuentro con estudiantes de secundaria y tal vez toquen el clarinete y les digo, ¿qué tocas en la banda? Oh, en la banda toco el saxofón, y les digo, ¿por qué? Y dicen que porque el director dice que no hay partes para clarinete, así es como empieza esa actitud. No dejes que la gente te diga que no puedes tocar jazz con el clarinete. Les digo, ¡haz que tu maestro me llame! Yo tuve que recorrer el mismo camino: si tocas jazz, tienes que coger el saxofón. Lo importante es recordar que el clarinete es un instrumento increíble con un rango enorme, pero también tiene una paleta de sonidos muy amplia y no encaja en muchas situaciones, y solo tienes que averiguar cómo conectar con el sonido del instrumento y hacer que funcione, porque PUEDE funcionar. No sé por qué algunas personas sienten que el saxofón puede encajar en más situaciones que el clarinete, ¡no estoy de acuerdo! ¡El clarinete puede tocar cualquier cosa!
